여러분들은 영화 '라라랜드'를 기억하시나요? 그 영화에 보면 주인공들이 어느 공원에서 춤을 추면서 하늘로 날아가는 장면이 있습니다. 아주 아름다운 장면 입니다. 이 장면에서 두 주인공이 추는 춤을 스윙댄스라고 합니다. 저는 스윙댄스를 즐겨 추고 있는 스윙댄서 입니다. 그래서 스윙이라는 음악이 주는 심장의 박동소리를 느끼며 춤을 즐기고 있습니다. 그런데 춤으로도 있는 스윙댄스에서 스윙은 도대체 뭘까요?
현대 대중음악 역사에서 '스윙(Swing)'이라는 단어는 특정 시대의 장르를 지칭하는 동시에, 악기와 인물이 만들어내는 고유한 음악적 구조를 의미합니다. 1930년대 재즈 뮤지션들은 기존의 정형화된 음악적 틀을 깨고 완전히 새로운 율동감이 담긴 음악적 틀을 창조해 냈습니다. 스윙연주를 보고 있으면 연주자끼리, 그리고 관객과 연주자가 실시간으로 교감하며 한 곡을 완성해 내는 것을 볼 수 있습니다. 즉 스윙음악은 시각적이고 청각 적인 언어 입니다. 단순히 악보에 그려진 음표의 나열이 아니라요. 이 글에서는 스윙을 정의하는 음악적 특징과 그것을 시대로 이끈 인물들의 이야기를 분석합니다.
1.폴리리듬과 오프비트, 스윙을 정의하는 음악적 구조
음악적 관점에서 스윙을 분석할 때 가장 두드러지는 특징은 정해진 박자를 기계적으로 연주하지 않고 미세하게 지연시키거나 앞당기는 싱코페이션(Syncopation) 기법에 있습니다. 즉 정해진 음에 약간의 변형을 주어 그 리듬감을 통해 관객과 소통합니다. 아프리카 음악의 복잡한 폴리리듬(Polyrhythm) 구조가 서양의 악기와 결합하며 파생된 이 호흡은, 정통 클래식이 첫 번째와 세 번째 박자에 강세를 두는 것과 달리 두 번째와 네 번째 박자에 악센트를 부여하는 오프비트(Off-beat)를 사용합니다.
이러한 리듬 구조는 듣는 이에게 지속적인 긴장과 이완의 사이클을 제공합니다. 그래서 청자들은 음악을 예상하지 못하는 경우도 많습니다. 즉 즉흥적이지만 즉흥적이지 않는 음악이 스윙재즈 입니다. 듀크 엘링턴(Duke Ellington)이나 카운트 베이시(Count Basie)와 같은 당대의 뛰어난 밴드 리더들은 이 엇박자의 묘미를 누구보다 정확하게 이해하고 있었습니다. 특히 듀크 엘링턴이 발표한 곡 It Don't Mean a Thing If It Ain't Got That Swing는 스윙 리듬이 가진 음악적 가치를 극대화 하고 이게 스윙이다 라고 선언한 대표적인 작품입니다. 연주자들은 악보의 지시를 넘어 자신의 감각에 맞춰 리듬을 유연하게 조율했으며, 이 과정에서 발생하는 미세한 박자의 굴곡이 대중들을 물리적으로 움직이게 만드는 원동력이 되었습니다.
2.콜 앤 리스폰스, 연주자와 댄서의 시각적 대화
스윙 재즈가 가진 또 다른 핵심적 가치는 사전에 완벽하게 계획된 대본이나 안무에 의존하지 않는 '즉흥성(Improvisation)'입니다. 무대 위의 연주자가 브라스 악기로 특정한 멜로디 프레이즈를 던지면(Call), 리듬 섹션이나 플로어의 댄서가 자신만의 움직임으로 화답(Response)하는 구조를 취합니다. 이 안에서 밴드와 댄서는 일방적인 관계가 아니라 실시간으로 예술을 완성해 나가는 동등한 파트너입니다.
플로어 위에서 스텝을 밟는 두 명의 댄서 사이에서도 이 물리적이고 시각적인 대화는 명확한 형태로 나타납니다. 리더(Leader)와 팔로워(Follower)로 나늬는 스윙댄스는 락 스텝(Rock step)이라는 무게중심의 변화를 통해 팽팽한 텐션을 형성하고, 그 텐션감을 이용하여, 이 힘을 스윙 아웃(Swing out)의 원심력으로 전환하여 폭발적인 에너지를 시각화합니다. 좁은 공간이나 잔잔한 음악에서는 패스 바이(Pass by)를 통해 위치를 부드럽게 교차하며 리듬을 해석합니다. 제가 춤을 즐길때 가장 짜릿한 순간이기도 합니다. 서로의 힘의 일치와 그 힘이 원심력으로 전환되어 음악의 박자와 딱 맞는 순간, 제 얼굴엔 행복한 미소가 번집니다. 앞선 글에서 설명한 할렘의 렌트 파티 공간에서 댄서들이 제한된 환경 속에서도 정교한 움직임을 만들어낸 것 역시 이러한 커넥션(Connection)에 기반한 결과입니다.
3.대공황 시대의 돌파구, 스윙이 수행한 사회적 기능
1930년대 스윙 음악과 댄스가 미국 전역에서 주류 문화로 편입될 수 있었던 배경에는 '세계 대공황(The Great Depression)'이라는 특수한 사회 경제적 위기가 자리하고 있습니다. 실업률이 급증하고 사회 전반의 불안감이 최고조에 달했던 이 시기에, 스윙은 대중들의 심리적 압박을 해소하는 가장 효율적인 문화 상품이었습니다. 베니 굿맨(Benny Goodman)이나 캡 캘러웨이(Cab Calloway) 같은 걸출한 인물들이 이끄는 빅 밴드의 라이브 연주는 사람들에게 강력한 시각적, 청각적 자극을 제공했습니다.
대규모 댄스홀은 사회적 계급과 경제적 격차가 일시적으로 무효화되는 공간이었습니다. 개인의 직업이나 자산 규모와 무관하게, 플로어 위에서 리듬을 정확히 해석하고 타인과 원활하게 교감하는 댄서라면 누구나 존중받았습니다. 빠르고 역동적인 스윙 음악은 우울한 현실을 버텨낼 수 있는 에너지를 대중들에게 공급했습니다. 즉, 스윙은 단순한 오락이나 예술 장르를 넘어, 경제적 파탄 속에서도 공동체의 연대감을 유지하고 개개인의 스트레스를 관리하는 중요한 사회적 기능을 수행한 역사적인 문화 현상입니다. 그래서 스윙댄스는 흥겹습니다. 춤을 추는 순간 만큼은 상대방에게 온전히 집중하니까요.저도 스윙댄스를 즐기면서 저의 그러한 에너지를 상대방에게 전달할려고 노력합니다.